Rever - Estudos em Fotografia

2010-10-27T12:14:00.002-02:00

Uma Exposição de Respeito, Um Catálogo Sem Respeito Algum

Ao entrar na galeria principal da Pinacoteca do Estado toma-se logo de cara dois choques: o primeiro devido a cor das paredes, vermelhas do chão ao teto e vermelhas de um vermelho muito vivo; chega-se a pensar que o vermelho pode ser o novo azul, cor que teima em aparecer cada vez mais em paredes de mostras fotográficas. O segundo por conta das quatro cópias preto e brancas com imagens feitas por Gaspar Gasparian na década de 60. Montadas duas a duas, elas formam um quadrado de quatro molduras quadradas. Em cada moldura uma imagem, igualmente quadrada, mostrando uma escada espiral redonda, vertiginosa.

Ao choque inicial soma-se outros. A mostra é extensa, são cerca de 150 imagens, que cobrem as mais variadas facetas da produção de Gasparian. Dentre elas fotografias de cenas urbanas e detalhes gráficos achados também na rua, fotos de objetos e still lifes feitos com luzes contínuas em estúdio e até mesmo fotografias de natureza. As fotos externas são sempre fotografadas em médio formato e quadrado, enquanto as de estúdio são feitas em grande formato, 4x5. Mas como saber disso se as ampliações das fotos urbanas são quase todas retangulares?! Elementar, (não) diria Sherlock Holmes. Os organizadores da mostra foram geniais a ponto de mostrar ao lado de muitas das imagens uma pequena cópia contato com as marcações de corte feitas pelo autor. Podemos ver a imagem do negativo todo, quadrado, com a marcação retangular e a cópia final, lado a lado, a nos mostrar a escolha do fotógrafo, sua maneira de olhar e de trabalhar aquilo que foi visto. Quaisquer adjetivos que eu possa imaginar não seriam a melhor forma de qualificar a mostra, seriam apenas palavras. É preciso ir à Pinacoteca e ver por si mesmo.

Depois de ver as imagens e os contatos e câmeras, diplomas e livros do fotógrafo, o óbvio a se fazer é correr para a loja da Pinacoteca e comprar o catálogo da exposição! Seria a melhor forma de fechar a mostra com chave de ouro, mas foi justamente o que não aconteceu. Você pode até ir à loja da Pinacoteca e ver o catálogo à venda; difícil é acreditar que o catálogo seja realmente o catálogo dessa mostra. Por que?! Elementar, meu caro, infelizmente elementar. A impressão do catálogo é de péssima qualidade, com a grande maioria das imagens impressas ou muito mais claras ou muito mais escuras que as imagens da mostra. Parece mesmo que nem prova de gráfica houve. E se realmente houve, então não houve quem olhasse pra ela com qualquer propriedade, pra não falar em rigor. Impressão não publicitária no Brasil sempre foi um problema, sabemos disso. Mas errar a esse ponto é passar dos limites com os quais somos obrigados a conviver.

Não bastasse isso, o catálogo torna-se uma decepção completa, praticamente uma falta de respeito para com o fotógrafo, devido a uma decisão editorial. Muitas das imagens da mostra, aquelas mesmas que estão ao lado do respectivo contato, aparecem no catálogo quadradas, como no contato, sem nem ao menos as marcas de corte indicadas por Gasparian. E o pior, Gaspar já não está mais aqui para defender seu trabalho, seus cortes, suas cópias.

O que foi feito de genial na mostra, foi estragado da pior forma possível no catálogo. Posso imaginar os mais variados motivos para essa decisão editorial, mas são, todos eles, péssimos motivos no fim das contas. E no fim das contas, as contas não fecham como poderiam, com chave de ouro. A mostra fica como que em aberto, mas não no bom sentido. Fica meio entreaberta, deixando passar uma corrente de vento, que leva de pouco em pouco a nossa memória dela.

Um outro Blog para Assuntos Fotográficos

2010-04-21T17:49:00.002-03:00

Eu alguns amigos fotógrafos acabamos de iniciar um blog onde "conversamos" e trocamos informação sobre fotografia: história, movimentos contemporâneos, estilos etc etc etc etc.

Venha nos visitar lá!
http://fotografianaturalista.blogspot.com/

Abraços!

Stieglitz em Cinco Momentos

2009-08-21T00:09:00.018-03:00

Na aula de 19 de Agosto no Sesc Pompéia, vimos o trabalho de Alfred Stieglitz e dos Pictorialistas, principalmente os americanos. Muitos aspectos do trabalho dele foram explorados pelos alunos, de acordo com a pesquisa feita e o interesse de cada um a partir dela. A minha pesquisa envolveu a trajetória do artista em busca por algo que ele mesmo chamava de "A Fotografia da Idéia" - um ideal que ele perseguiu de diversas formas, muitas vezes contraditórias, mas no fim das contas complementares, ao longo de toda a vida. Os cinco momentos abaixo são sugeridos por Sarah Greenough, organizadora do livro Alfred Stieglitz - Photographs and Writings, que acompanhou a exposição de mesmo nome na National Gallery of Art. O ISBN: 0-8212-2563-4.

Momento 1: Stieglitz, estudante de engenharia em Berlin, estuda também fotografia com um cientista renomado. Pega o gosto por levar os filmes e as câmeras no limite das suas capacidades conhecidas. Testa tudo e cria soluções para situações de luz impossíveis para os materiais da época. Nessas fotografias teste ele geralmente fotografa temas inovadores e de forma inovadora para a época. Mas quando fotografa para fotografar, segue a estética da pintura de gêneros alemã, meio que como todo mundo ao seu redor.

Segundo Momento: Ao voltar para os EUA, Stieglitz não encontra em Nova Iorque as paisagens idílicas nas quais fotografava na Europa, muito pelo contrário. Mas ao invés de partir para os arredores da cidade, como faziam muitos pintores e fotógrafos da época, decide fotografar na cidade mesmo. E uma vez mais leva equipamentos e filmes ao limite de suas possibilidades, fotografando na chuva e na neve, de dia e de noite. Nessa época envolve-se com o movimento pictorialista, e torna-se um de seus principais líderes nos EUA. Procura expressar sentimentos, crenças, paixões e individualidade através de suas imagens, assim como faziam os pictorialistas, usando objetivas de foco suave, manipulando os negativos e cópias, interferindo nas imagens com tinta e pincéis. Fotografar fatos, mas não como fatos. Fugir do objetivismo fotográfico e da industrialização da fotografia através da produção artesanal de filmes e papéis. Essa era a agenda dos Pictorialistas, que queriam defender a fotografia como arte e levá-la ao mesmo patamar que as outras mídias já estabelecidas nos círculos artísticos.

Momento três: Na galeira de Stiegltiz são exibidos pela primeira vez nos EUA os trabalhos de modernistas como Picasso, Braque, Brancusi, DuChamp, Cezanne, Matisse. E a agenda da pintura abstrata e de como deveria ser a fotografia a partir disso modelam a forma como Stieglitz passa a ver e a praticar a fotografia. A pintura é perfeita para expressar a subjetividade do artista, enquanto a fotografia ... a fotografia não é arte, não é um tipo de arte. Arte é a expressão da concepção de uma idéia. Fotografia é a verificação plástica de fatos. Essas palavras do caricaturista mexicano Marius de Zayas são acatadas por Stieglitz, que durante anos lutou para ver a fotografia elevada a categoria de arte. Em sendo assim, a fotografia é capaz de revelar a essência dos objetos através da forma, contanto que a subjetividade do fotógrafo não atrapalhe. Toda a manipulação subjetiva de negativos e cópias perde o sentido. O Pictorialismo perde o sentido e torna-se uma lembrança incômoda. As fotografias de Stieglitz passam a ser diretas, objetivas, focadas, focadas na forma.

Quarto ato: Stieglitz volta atrás e segue em frente, buscando expressar sua subjetividade através da fotografia. Mas dessa vez sem manipulações e pinturas e desfoques. Se utiliza das características estéticas da fotografia objetiva, explora as formas daquilo que está à frente da câmera, muitas vezes retirando o assunto do contexto a sua volta, mas manifestando em forma de foto o que sente. Dessa época mostramos em aula as imagens chamadas Equivalents. Quando Stieglitez exibiu PIcasso em sua galeria, De Zayas escreveu: "[o artista] recebe uma impressão direta da natureza externa, ele analisa, desenvolve e traduz a impressão, para depois executá-la em seu estilo particular, com a intenção de que o quadro deveria ser o equivalente pictórico da emoção produzida pela natureza." Na época, De Zayas também disse que isso só era possível através da pintura - da fotografia não - e Stieglitz voltou-se para a fotografia direta, objetiva, sem intereferências subjetivas. Agora ele vai usar a fotografia direta, para expressar sua subjetividade através dela. E vai dar o nome de Equivalents para um dos ensaios mais importantes desse período.

E quinto: Para alguns críticos, Sieglitz seguirá fotografando cada vez mais "objetivamente", esquecendo-se de transmitir sua subjetividade através de seu trabalho (se é que isso é possível). Para outros, suas fotografias continuarão utilizando-se dessas características formais comumente relacionadas na época com o meio fotográfico: objetividade, foco, definição, como forma de manisfestar seus sentimentos. Qual é a sua opinião?

Com os agradecimentos pela pesquisa feita pelos alunos do SESC-Pompéia, e pelo entusiasmo com que eles levaram a aula,
andre

Camera Work - Non Profit Gallery

2009-08-19T14:34:00.006-03:00

Procurando por material impresso sobre a Camera Work, revista editada por Alfred Stieglitz no início do sec.XX, esbarrei (por obra e conta do grande guru, big brother que nos observa e ajuda a todos - google) em uma publicação também chamada Camera Work. Esta sai duas vezes por ano e é editada pela SF Camera Work, galeria fotográfica, educativa, sem fins lucrativos. Como bom DonQuixote que se preze, os termos "educativa" e "sem fins lucrativos" ainda mais estando os dois na mesma frase, muito me chamaram a atenção. Fica aí a dica!

SF Camera Work.org

Isso é uma Foto?

2009-08-18T23:43:00.006-03:00

A Fernanda, professora que assiste às aulas do Básico 2, mandou esse link do site do Itaú Cultural.

Além da atividade proposta, o mini-site mostra uma bibliografia sensacional, à disposição para consulta no Itaú Cultural, além de propostas de atividades para professores que queiram utilizar imagem como recurso didático. Taí a dica! Valeu, Fer!

Itaú Cultural.org.br/fotografia

Stieglitz, Fotógrafos e o Sexo dos Anjos

2009-08-17T16:34:00.003-03:00

A fonte de onde tirei o pequeno texto abaixo é o livro "Stieglitz and the Photo-Secession, 1902", editado por Viking Studio e publicado por Penuing Books. O ISBN é 0-670-03038-4.

"Em 1899, Stieglitz escreveu, 'Hoje em dia no mundo fotográfico há três classes de fotógrafos - o ignorante, o puramente técnico e o artístico.'"

Stieglitz foi um dos maiores incentivadores da história da fotografia. Não só lutou a vida toda para ve-la entrar nos salões, galerias e museus, como foi mentor de inúmeros grandes fotógrafos americanos. Em sua própria galeria Duchamp exibiu pela primeira vez seu primeiro ready-made - o Urinol. Ele foi ainda o líder do grupo pictorialista americano Photo-Secession e editor de uma das mais importantes revistas de fotografia que já existiu, Camera Work. O que não significa que não tivesse seus preconceitos, como demonstra a frase acima.

Mesmo assim, a frase poderia ter sido dita essa semana mesmo, com algumas pequenas adaptações, em qualquer mesa de bar onde houvesse um ou mais de um fotógrafo. Hoje em dia esse um fotógrafo talvez dissesse alguma coisa assim, "Hoje em dia no mundo fotográfico há três classes de fotógrafos - o flickeiro, o profissional e o artístico." Talvez as três categorias não fossem essas. Talvez fossem - o puramente técnico, o paparazzi, o de casamento. Ou ainda - o que-nunca-consegue-as-fotos-que-quer, o que-sempre-consegue-as-fotos-que-quer e o que-não-está-nem-aí-mas-deveria-porque-eu-acho-que-deveria. Isso sem falar nas categorias dos digitais e dos analógicos e dos bi (analógico-digitais) e por aí vai.

É claro que quaisquer que fossem as três categorias escolhidas, uma grande discussão sem fim começaria logo depois que elas fossem enunciadas. E dependendo da mesa, da bebida em cima dela e do quanto a bebida tivesse sido bebida pelas pessoas em volta da mesa, a discussão poderia acabar em mais bebida, em tapas ou na delegacia. O que demosntra de ante-mão o quanto uma discussão dessas é desnecessária, para dizer o mínimo.

Agora, puxando a sardinha para os budistas (que por sorte podem ser divididos em mais de três tipos) fico com a declaração de Sua Santidade O Dalai Lama, que apesar de ser da concorrência (eu sendo zen-budista de uma escola japonesa) é maravilhoso. Diz ele: "No mundo há mais ou menos 6 bilhões de habitantes. Logo há seis bilhões de religiões diferentes."

Basta adaptar o pensamento de Sua Santidade para os tipos de fotógrafos e pronto!

Kertész e o Momento Decisivo

2009-08-11T16:39:00.008-03:00

O repórter pergunta ao Kertész:
"Existe um momento perfeito para fazer uma fotografia?
E Kertész responde:
"Sem resposta! Absolutamente sem resposta!"

Sérgio Larrain

2009-02-27T20:37:00.004-03:00

Sérgio Larrain entrou para a agência Magnum em 1959 como Associate. Dois anos depois tornou-se um Full Member. E em 1970 "baixou" para a categoria de Contributor depois de praticamente deixar de fotografar para seguir o caminho do Yoga. Em 1991 suas fotografias da cidade chilena de Valparaíso foram publicadas em livro; livro que está esgotado mesmo nos sebos mais longínquos da face da terra dos sebos. :) É possível ver as imagens desse livro e de outros no site da Magnum.

http://www.magnumphotos.com/Archive/C.aspx?VP=XSpecific_MAG.PhotographerDetail_VPage&l1=0&pid=2K7O3R134343&nm=Sergio Larrain

Atualmente vive no Chile, onde continua transmitindo e praticando os ensinamentos do Yoga, escrevendo, pintando e ocasionalmente fotografando.

É dele a citação abaixo, que escolhi para o início das aulas do Básico 1, na próxima terça-feira, dia 03.03, as 20h. Os grifos são meus:

"Uma boa imagem é criada por um ESTADO DE GRAÇA. Essa graça se AUTO-EXPRESSA quando está LIVRE de convenções, livre como uma criança em suas primeiras descobertas da realidade. A partir daí, o jogo é organizar o retângulo."

Boas aulas a todos!
Boas fotos a todos!
andre

www.Jpgmag.com

2009-01-30T22:31:00.004-02:00

Funciona mais ou menos assim.
Voce manda as suas fotos para o site da revista.
Se elas obtiverem um certo numero de comentários positivos, suas fotos vão para os editores.
Se elas forem editadas para publicação, você recebe U$ 100,00 e mais uma assinatura da revista.
No momento em que escrevo esse post, 199.269 pessoas estão participando desse processo de seleção.
Não é exatamente a Vogue, mas se você pensar que na Vogue o fotógrafo paga todos os custos e recebe R$ 100,00 (reais, e não dolares) por página publicada, ainda acho mais divertido a Jpg.

abracos!
Boas fotos,
andre

Umeda e Araki

2008-11-03T23:46:00.005-02:00

Ana Paula Umeda, que cursou as oficinas de Flash e de Zen Fotografia enviou um pdf com artigo sobre o fotógrafo Nobuyoshi Araki!

Para baixar o artigo, vá até aqui:

http://www.rever.fot.br/estudos_textos_alunos.php

Para conhecer mais sobre o fotógrafo, vá até aqui:

http://www.arakinobuyoshi.com

Obrigado, Ana!!!

Coincidências e o PicturaPixel!

2008-10-24T19:09:00.005-02:00

Coincidências, coincidências!

Marcelo manda um link sobre o Guardian e o Bloco de Notas da Pictura Pixel - Electronic PhotoMagazine manda um link com materia de Geoff Dyer para o mesmo Guardian sobre uma das mais famosas imagens de guerra do sec.XX: a do miliciano espanhol Federico Borrel Garcia caindo ao ser alvejado em combate. Há rumores faz desde há muito sobre a autenticidade dessa imagem.

Geoff Dyer é o autor de O Instante Contínuo - Uma História Particular da Fotografia, livro de leitura deliciosa de onde tenho tirado trechos para compartilhar com os alunos.

Para quem lê inglês: www.guardian.co.uk/artanddesign/2008/oct/18/war-photography

E o link para o Bloco de Notas do Pictura Pixel: www.picturapixel.com/blog.
Cadastrem-se e recebam o newsletter semanal do Bloco!

De quando em Nunca, 100 anos

2008-10-24T15:51:00.004-02:00

http://www.guardian.co.uk/media/interactive/2008/oct/21/theguardian-pressandpublishing

Link enviado pelo Marcelo Fubah, do Básico de segunda-feira, sobre os 100 anos de publicação de fotografias no jornal inglês The Guardian. Em 1908 o jornal contratou pela primeira vez um fotógrafo para fazer parte da equipe fixa da redação.

O primeiro anúncio oficial da invenção da fotografia foi feito em Paris, em 1839. Três semanas depois, um anúncio semelhante foi feito em Londres, onde um outro sistema fotográfico havia sido inventado. Levaria cerca de 40 anos para que as primeiras fotografias fossem publicadas em jornais. Até então elas serviam de base para que ilustradores as copiassem a traço, único método possível de reprodução de imagens até o aparecimento do porcesso gráfico de retícula para impressão de meios-tons.

De 1908 atéh a década de 60 a mídia impressa elevou a fotografia pouco a pouco ao cargo de contadora e mostradora de todas as histórias que chegassem até as mãos dos leitores. Dezenas de centenas de revistas de reportagens visuais foram criadas e milhares de tais reportagens foram feitas por um número incalculável de fotógrafos, até o aparecimento da televisão, do telejornal, e dos satélites de comunicação. As revistas de reportagens visuais pereceram quase todas, mas a fotografia segue sendo uma mídia forte no jornalismo.

Nas páginas do Guardian, segue forte faz 100 anos!

Em Primeira Mão a Segunda Tentativa

2008-08-16T01:02:00.003-03:00

Depois de apenas seis posts e de alguns meses sem notícias, voltamos a postar no Blog.

O semestre de aulas da Rever começou na semana passada com a primeira aula do Básico 1 de segundas-feiras. Essa semana foi a vez do Básico 2, do Básico 1 de quartas-feiras e do Módulo 3. Junto com mais três grupos de alunos particulares, esse semestre soma 8 grupos diferentes estudando e praticando fotografia aqui na Artur de Azevedo, 1307.

Estamos de casa nova, com a reforma terminada e a arrumação/decoração/finalização em andamento. Nosso novo estúdio tem 6x12m, nossa nova sala de aula tem uma estante enorme onde conseguimos acomodar todos os livros e revistas a disposição dos alunos e o novo terraço tem área aberta e coberta, para todos os gostos na hora dos intervalos.

No fim do mês, darei duas oficinas de flash no SESC Pompéia; uma de flash básico e outra de flash avançado. E em Setembro teremos o piloto de um workshop onde vamos praticar zen e fotografia, fotografia e zen, zen e criatividade e fotografia e por aí vamos ... fotografando, é claro!

Das leituras com os alunos essa semana, fica a indicação do site e do Blog do fotógrafo David Alan Harvey. O site: e o Blog, que pode ser acessado através do site chama-se Road Trips.

Do que saiu no jornal, a exposição de Pierre Verger que ocorreu na Galeria da Caixa Econômica Federal alguns meses atrás virou livro! "O Japão de Pierre Verger" sai pela Fundação Pierre Verger e pela Companhia Editora Nacional em edição bilingue Japonês/Português.

E falando em livros, o stand da Taschen na Bienal do Livro está com dezenas de promoções. A biblioteca da Rever ganhou "The Polaroid Book - Selections from The Polaroid Colections of Photography"; livro lindo e repleto de imagens feitas nos mais diferentes tipos de filmes e câmeras fabricados pela Polaroid. Também ganhou 11 livros da coleção de pintores da editora para complementar nossa seção de pintura.

Em primeira mão, a segunda tentativa e, se tudo der certo, contaremos com mais mãos para os posts do Blog!

beijos e abraços a todos!
andre

Ansel Adams, Harry Callahan e liberdade

2007-09-04T19:09:00.000-03:00

Nas primeiras aulas do Básico 1, vemos fotografias feitas por Ansel Adams, e um trecho de um DVD sobre ele. Algumas vezes, alguém que já conhece o trabalho de Adams vai direto ao ponto e diz: "Não gosto das fotos dele." Outras vezes alguém vai direto a outro ponto e diz: "Adoro fotografia de natureza. Adorei essas fotos!" Outras vezes ainda as fotografias de Ansel Adams não provocam gostos nem desgostos e somente passam pela aula de algum aluno da Rever. Uma dessas vezes uma aluna não conseguiu me dizer o que a incomodava no trabalho dele; se era o tema, se era a forma, se era o fato de que as fotos são fruto de uma relação contemplativa com o que acontece em frente à câmera. Na época em que ela me disse isso, respeitei a sua opinião como sempre faço, mas não soube mais o que dizer sobre como experimentar essas imagens de uma forma que fosse positiva para a sua própria fotografia. A resposta veio de presente faz alguns dias, enquanto eu estava lendo um livro sobre Harry Callahan, fotógrafo americano, nascido em 1912 em Detroit. Callahan experimentou muito, com muitos tipos de câmera, com muitas atitudes diferentes em meio a assuntos muito diferentes. Ao ver as imagens de Adams, Callahan foi mais além do tema e mais além da forma e mais além da motivação de Adams para fotografar. Abaixo segue a citação de uma entrevista na qual Callahan fala sobre Ansel, e sobre como o trabalho dele serviu de inspiração para o seu:

"[Adams] foi o primeiro fotógrafo sério que conheci. Antes disso eu nem sabia da existência de pessoas tão incríveis quanto Alfred Stieglitz. E quando eu vi o que Adams podia fazer com uma câmera, eu me senti livre para ir em frente e fotografar o que eu quisesse, da maneira que eu quisesse."

O Fotógrafo e a Opinião dos Outros

2007-08-21T18:27:00.000-03:00

No fim da aula de segunda (20.08.07), depois de vermos o resultado de um exercício, eu digo a uma aluna que seria interessante ela explorar mais o tema das fotos que ela trouxe. Sem dúvida foi um dos resultados mais fortes que eu já vi para esse exercício. Valeria a pena prosseguir com esse trabalho. Já esperando uma reação positiva ou feliz da parte dela em relação ao meu comentário, ouvi quase sem acreditar: "Talvez eu faça, mas já desanimei com essas fotos." Como assim desanimou?! São lindas as fotos! E fortes! Como assim? Assim: a aluna mostra as fotos para amigas que não são muito capazes de dizer nada além de "Olha a outra! Tentando dar uma de artista!" Ela até que tenta defender o trabalho, perguntando se as amigas não entenderam nada, não viram nada ali. Viram, viram sim: "São os seus dedos, né?! São sim!" E não é que eram os dedos dela? Fora de foco, granulados, transformados em formas intensas, carregadas de sentimentos profundos. Tá na cara! Qualquer um pode ver! Quer dizer, qualquer um, não. As amigas dela não viram. Viram só os dedos ... e olhe lá! O resultado? "Não sei se vale a pena fazer mais depois daqueles comentários."

Lembrei de uma namorada Neo Zelandeza que tive faz muitos anos. Musicista, Victoria escreve para orquestras; música erudita contemporânea, trilhas sonoras para cinema. Ela entendia minhas fotos como poucas pessoas, e eu adorava mostrar minhas fotos para ela. Esperava os comentários e as críticas e as descobertas que ela ia me proporcionar, falando o que fosse das fotos que eu mostrasse. Mas apesar de ser meu público predileto, Victoria e eu discordávamos com veemência sobre esse assunto de público. Eu teimava em dizer que o artista tinha que ter em mente o público dele na hora de criar. Insistia como um bobo que nós artistas devíamos isso ao público. Ela se enfurecia e dizia que não! Absolutamente! "Eu crio minhas músicas para mim! Para mais ninguém! Se houver pessoas que gostem dela, ótimo! Se não, ótimo!" Eu não conseguia entender isso na época. Acho que depois de trabalhar com publicidade por um tempo, atendendo a clientes e mais clientes, eu devo ter cruzado os fios e embaralhado as idéias. Como é que eu vou expressar o que eu sinto, temendo a reação do outro, para agradar o outro? Victoria cria para si. Expressa o que sente, da maneira que sente, através da música. Ponto. Só isso. Mais nada.

Quer dizer, mais nada, não. Tem mais coisa, sim. E eu acabei dizendo mais uma coisa para a minha aluna. Não é o público que faz o artista. É o artista que faz o público. As pessoas que são tocadas pela obra tornam-se o público do artista. E se ela mostrou o trabalho dela para pessoas que só conseguem ver dedos, então compreenda isso. Esse público não vê além das aparências. Só isso. O público da sala de aula viu. Viu além da superfície do papel. Sentiu. Nem todo mundo vê. Nem todo mundo entende. Nem todo mundo gosta. É somente assim como é. Não é? Vamos ver como virão as próximas fotos!

Brassai, Nadar e Bresson (com ou sem flash)

2007-08-16T11:41:00.000-03:00

Na aula de ontem para o pessoal de Flash do Sesc Pompéia, falamos do post abaixo, sobre Brassai, e sobre como ele precisava da colaboração de seus retratados para conseguir suas imagens. Por conta de seu equipamento, Brassai não conseguia instantâneos fotográficos com flash; tinha mesmo de posar as pessoas e construir com elas o retrato. Era preciso estabelecer e manter uma relação delicada de confiança e colaboração para que a foto funcionasse. Nesses casos, um dos motivos para haver mesmo essa colaboração era técnico: o uso do flash era demorado. Não se capturava a ação no seu desenrolar. Era preciso construir a imagem, mantê-la ali um momento e então registrá-la.

Vimos também retratos feitos por Nadar e conversamos sobre a sua relação com os retratados. Na época em que ele fotografava, o comum era posar a pessoa em cenários com colunas gregas, cortinas, mesas de canto e toda uma parafernália cenográfica que mais escondia a pessoa que mostrava. As poses eram todas iguais, as luzes eram todas iguais. Só mudava mesmo o rosto da pessoas em meio aquilo tudo. Nadar fazia diferente. Para ele bastava um fundo liso, luz, a pessoa e a relação que se estabelecia entre ele e o retratado. De novo vieram as mesmas idéias: confiança, colaboração. Mas ele falava com a pessoa? Se falava, falava o que? É preciso saber o que falar para "dirigir" a pessoa e conseguir a foto?

Imediatamente me lembrei de Bresson. Ao contrário de Brassai, ele não usava flash em seus retratos. Não dependia de nada que impedisse o instantâneo. Mesmo assim, construía em conjunto com o retratado a imagem. E como Nadar, buscava muito mais que apenas uma imagem fotográfica de uma pessoa. Dependia de confiança. Como no retrato que ele fez de Ezra Pound. Nesse dia, ficaram ambos calados durante cerca de uma hora, um diante do outro. Bresson escreve que de vez em quando piscavam, e era só isso. Estar de frente para o outro, sem a necessidade de nada que fosse supérfluo à relação que se estabeleceu ali, em silêncio. Bastou. A imagem é muito mais que um mero registro fotográfico.

Que conclusão tiramos disso? Será que o retrato de Ezra Pound é forte porque eles simplesmente não falaram nada? Falar com o retratado é quebrar esse vínculo de confiança? Mais do que isso, precisamos descobrir como estabelecer esse vínculo com cada pessoa fotografada. Agir da forma mais apropriada na circunstância em que estamos. Falar, não falar, o que falar. O mais importante seria respeitar a pessoa que está junto com você construindo a imagem, não? Sem prepotências, sem preponderâncias. Retratar em conjunto com o retratado. Sobre isso, Bresson escreveu:

"A profissão depende tanto das relações que o fotógrafo estabelece com a pessoa que ele está fotografando, que um relacionamento falso, uma palavra ou atitude erradas, podem arruinar tudo. Quando o modelo está desconfortável (seja esse descoforto qual for), a personalidade dele foge para um lugar aonde a camera não alcança."

Brassai, Flash e o Instantâneo

2007-08-12T21:06:00.000-03:00

Outro post para o pessoal da Oficina de Flash Básico do Sesc.

Durante a última aula, sexta-feira passada, vimos muitas imagens noturnas feitas por Brassai na Paris da década de 30; algumas feitas com exposições longas, outras feitas com flash. As fotos estão no livro Brassai, editado pela Taschen.

Quando não fazia longas exposições, Brassai usava lâmpadas de flash; mais ou menos as avós dos nossos flashes eletrônicos atuais. Nós estamos acostumados com flashes que disparam centenas de vezes antes de termos de pensar em uma lâmpada nova para eles. São flashes sincronizados com o obturador de nossas câmeras e seu disparo é rápido, instantâneo. Isso tudo sem contar com módulos automáticos, TTLs etc. Tudo muito rápido, tudo muito fácil.

O funcionamento dessas lâmpadas era bem diferente dos nossos flashes. Cada lâmpada era boa para um disparo. Uma espécie de curto circuito acionava a lâmpada, que estourava literalmente o filamento a fim de liberar a luz. Além disso ainda não havia sincronismo entre flash e câmera. O fotógrafo precisava abrir o obturador, para então acionar a lâmpada, esperar o pico de iluminação e só depois fechar o obturador. Não exatamente instantâneo, não exatamente rápido.

Por isso tudo, Brassai precisava contar com a colaboração das pessoas que fotografava. Quando estava em um bar e ia fotografar um casal, as pessoas precisavam parar durante um momento e manter a pose tanto quanto fosse possível, até que Brassai pudesse abrir o obturador, disparar o flash, aguardar a luz atingir o pico para depois fechar o obturador. Muitas de suas fotos parecem instantâneos casuais, feitos nos bares, boites, bordéis e teatros de Paris, mas são na verdade o resultado de uma colaboração entre o fotógrafo e os fotografados. Uma colaboração necessária para que pudessem fazer a imagem acontecer, apesar das limitações técnicas do equipamento.

Brassai certamente prezava muito essa relação que conseguia desenvolver com as pessoas que fotografava. Daí a citação abaixo:

"Eu preciso que o fotografado esteja o mais consciente possível
de que ele faz parte de um evento (...) de um ato artístico.
Eu preciso de sua colaboração ativa..."

Os Russos e os Flashes de Robert Capa - Por John Steinbeck

2007-08-09T17:05:00.000-03:00

Citação Especial para os alunos do Mini Curso de Uso Básico do Flash, ministrado no SESC Pompéia.

Durante o mês de Agosto costumo ministrar Oficinas sobre uso de flash, básico e avançado, no Sesc Pompéia. Logo na primeira aula, enquanto eu mostrava uma foto feita com flash durante uma palestra, um dos alunos perguntou se não houve reclamações da palestrante ou da platéia por causa dos clarões a cada disparo. Respondi que não. Éramos inclusive dois fotógrafos trabalhando no evento e tudo correu bem.
Nem sempre é o caso. Há locais onde o uso de flash é proibido, como no teatro, ou restrito a uma pequena parte do evento, como em shows de música. Uma das alunas chegou a comentar que mesmo quando permitido, o flash é um inconveniente para a platéia. Imediatamente lembrei da citação abaixo, onde o uso do flash durante uma apresentação de teatro foi desastroso por um lado, e um estrondoso sucesso por outro.Divirtam-se:

“O tratorista havia acabado de dar quatro ou cinco passos no palco, e a história havia apenas começado, quando Capa acionou seus flashes para fazer a primeira foto. Isso interrompeu de imediato o desenrolar da peça. A garota de unhas pintadas escondeu-se atrás de umas samambaias e não voltou a mostrar a cara durante todo o resto da cena. O tratorista esqueceu o texto. A líder de brigada tropeçou e tentou em vão salvar a apresentação. O restante da peça foi representado como um eco, com os atores repetindo as falas sussurradas pelo ponto, de modo que se ouvia tudo em duplicata. E toda vez que estavam prestes a se recompor, Capa disparava seus flashes e os deixava desconcertados. (…) A natureza irresponsável da moça decadente era simbolizada tanto pelo esmalte vermelho das unhas como por um colar de contas de vidro e bijuterias vistosas. E o espoucar dos flashes a deixou tão nervosa que ela rompeu o colar e as contas espalharam-se por todo o palco. Foi aí que a peça desandou de uma vez por todas.”
“O público adorou. E aplaudia entusiasticamente toda vez que havia um disparo de flash.”

De onde vem a citação acima :)

2007-08-09T14:17:00.000-03:00

Capa e Steinbeck estavam no vilarejo de Chevtchenko e assistiam a uma peça de teatro. A citação conta como foi a reação de atores e da platéia aos flashes disparados por Capa durante a apresentação.
Ela foi tirada do livro “Um diário Russo” de John Steinbeck, com fotografias de Robert Capa, publicado no Brasil pela Cosac&Naify. Os dois autores visitaram a União Soviética em 1946, quando a Guerra Fria tornava o relacionamento entre Rússia e Estados Unidos cada vez mais difícil. Na época era quase impossível obter qualquer informação que fosse imparcial sobre os Russos nos EUA; na Rússia não era muito diferente. De toda forma, Capa e Steinbeck queriam ver por si próprios como vivia o povo Russo. Simplesmente. Ver, escrever, fotografar, voltar para mostrar. Longe de fingir uma visão imparcial e objetiva, Steinbeck escreve no fim do primeiro capítulo: “O que se vai ler a seguir é o que nos acontecceu. Não é o relato sobre a Rússia, mas apenas um dos possíveis relatos sobre a Rússia.”